2026/08/27
2026年に個展「Forms of lives 」で発表した「I’m here.」シリーズについて書いてみます。
長くなりますがご了承ください。まとめすぎると途端に意味が欠けてしまうことに気が付いたので、重複や、言い回しが多くなりますが、読んでいただけたら幸いです。
このシリーズが生まれた経緯から説明をします。
20年ほど、鉄を使用した作品を制作する中で、鉄に発生する錆を経年劣化としてマイナスに捉えるようになり、如何にサビが発生しないようにと工夫をしてきましたが、その反面、素材の特徴でもある錆の美しさや魅力を感じていました。
その錆の魅力は、2018年からステンレス鋼の素材研究をはじめたことをきっかけに、より一層、自分の中で強くなり始めました。
そこで、初めに、錆の魅力をより感じられる形をゼロから考えてみることを始めました。
まず、自分が、錆のどのような表情に魅力を感じるのかを考えました。
身の回りにある錆た鉄製品や建物、乗り物を観察して自分の気持ちがハッとする状態の錆を探しました。
それらの共通点は、面の形状です。平な面状の部分に発生する錆や面と面の交わる角に発生する錆に魅力を感じます。また、全てが綺麗に錆た状態よりも、元々表面に塗られていた塗料などが剥離し、部分的に残ったことで生まれる錆とのコントラストが私にとって、とても美しいさを際立たせる事がわかりました。
そのことをふまえて、面で構成した形態で、表面には、錆とのコントラストを想定した配色の塗料を塗装した造形表現を考えました。
実際に、造形した形を部分的に剥離させ、錆させたりしながら、この面で構成される造形が錆の美しさを引き出す造形なのかを見極めていました。
その見極め済んだタイミングで、今回の個展で初めて発表をすることになりました。
現在の「I’m here.」は、展示発表の段階では、錆を全て剥がし、全面に塗料を塗装した状態です。言わば作品のゼロスタートの状態で、これから長い時間の中で、擦り傷や日焼けなど、置かれた環境によって経年変化をしながら育っていくことを想定しています。
今回、屋内向けに制作した小型の作品たちは、コレクションしていただいたお客様の生活環境で一緒に過ごす時間の中で、徐々に育つことを想定しています。
今後の構想としては、発表前にアトリエで「育てた状態」つまり、部分的に錆た状態の作品の発表や、屋外を想定した巨大な作品を考えています。屋外では設置後、雨風や、自然の環境の中で、立ち続けることで、変化をしていく作品を作れたらと考えています。
作品を通して表現したいことは、一貫して、鑑賞者の想像を重ねてもらうことで、自分なりの解釈を想像してもらうことを期待しています。
また、その経年変化を通して時間性の帯びた解釈を想像していただけたらと思っていまっす。
「I’m here.」というタイトルについてですが、私は、近年、命を観察する中で、命が、常に姿を変えて移動している姿を見つけました。 例えば、「ある小動物が、肉食動物に捕食され、その肉食動物のエネルギーとして体の一部となり、その肉食動物が死に絶え、微勢物に分解されることで微生物の一部のなったり、土になったり、その土が植物を育てる栄養になったり、その植物が草食生物に食べられ、その草食生物のエネルギーとして体の一部になったり・・・・」という感じで移動していることに気がつきました。
ある時は、動物の姿の一部になっているという感じです。
そこで、「私は今ここですよ！」という移動する命の形がこちらに主張している姿を表現しています。つまりそこには、特定の姿にとどまることなく変化しながら移動するという時間の存在があり、そういう時間という概念を帯びた作品としても「I’m here.」は、創作されています。
先にも上げたように2025年からの作品には、「命」テーマに掲げ、命の形を表現したいという想いのもとに作品制作に取り組んでいます。
この「I’m here.」シリーズは、命について考えることで得た思考と、経年変化を主軸とした時間性を帯びた造形が重なることで、生まれた「命の形」を現した作品です。
錆を美しく見せる造形を探すことからスタートしたこのシリーズが、造形だけでなく表現する意義も加わり作品として完成しました。
ワイヤーで造形された作品の展示が続いていたので、このシリーズが、お客様にどう受け止めてもらえるか心配でしたが、個展では、ご来場下さった皆様に、作品を楽しんで鑑賞をしていただけました。
今後の展開も楽しんでいただけたら嬉しいです。
I would like to write about the "I’m here." series, which I presented at my 2026 solo exhibition, "Forms of Lives."
Please bear with me, as this will be a rather long explanation. I realized that over-summarizing the content caused it to lose its meaning, so while there may be some repetition or wordiness, I hope you will read on.
Let me begin by explaining the origins of this series.
For about twenty years, I had been creating works using iron. Initially, I viewed the rust that formed on the metal negatively―as a sign of deterioration over time―and tried hard to prevent it. Yet, at the same time, I was drawn to the unique beauty and allure of rust as a material characteristic.
My appreciation for this allure deepened significantly after I began researching stainless steel materials in 2018.
So, I started by conceiving―from scratch―forms that would best highlight the appeal of rust.
First, I considered exactly which aspects of rust’s appearance captivated me.
I observed rusted iron objects, buildings, and vehicles in my daily life, looking for instances of rust that struck a chord with me.
I found a common thread: the shape of the surfaces. I was drawn to rust forming on flat planes or at the edges where surfaces meet. I also realized that the beauty was most striking not when the object was uniformly rusted, but rather through the contrast created when original paint peeled away, leaving patches of rust alongside remaining paint.
With this in mind, I devised a sculptural approach using forms composed of planes, applying paint in colors chosen to contrast with the rust.
I experimented by partially stripping the paint and inducing rust on the sculpted forms, evaluating whether this planar structure truly brought out the beauty of the rust.
Once I was satisfied with the results, I decided to unveil the work at this solo exhibition.
In its current state for the exhibition, the "I’m here." series features pieces where the rust has been completely removed and the entire surface has been painted. These pieces begin in a "zero-state"―a blank slate―and are designed to evolve over a long period, developing a unique character through aging processes like scuffs and sun-fading dictated by their environment.
The smaller indoor pieces created for this exhibition are intended to gradually mature as they share the living spaces of the collectors who acquire them.
Looking ahead, I envision exhibiting works that have already been "nurtured" in the studio―meaning they show signs of partial rusting―as well as creating massive outdoor installations. For outdoor works, I aim to create pieces that transform over time as they stand exposed to wind, rain, and the elements.
My consistent goal is to invite viewers to project their own imaginations onto the work and form their own interpretations.
I also hope that the aging process of the materials encourages viewers to consider interpretations that incorporate the dimension of time.
Regarding the title "I’m here": in recent years, while observing life, I noticed how living things constantly shift forms and migrate. For instance, I realized that life moves in a cycle: a small animal is preyed upon by a carnivore, becoming part of its body as energy; the carnivore eventually dies and is broken down by microorganisms, becoming part of them or turning into soil; that soil nourishes plants; the plants are eaten by herbivores, becoming part of their bodies as energy... and so on.
At times, life exists as part of an animal's form.
The work expresses that very assertion―"I am here right now"―made by this shifting form of life. In other words, it embodies the passage of time inherent in life that moves and changes without remaining in a fixed state; "I’m here" was created to capture this concept of time.
As previously mentioned, my work from 2025 onwards is centered on the theme of "life," driven by a desire to give form to the nature of living things. The "I’m here." series embodies "forms of life" born from the intersection of reflections on existence and sculptural forms that incorporate the dimension of time―specifically, the aesthetic of aging and patina.
What began as a quest to create forms that highlight the beauty of rust evolved into a complete body of work, gaining deeper significance in its expression beyond mere form.
Having previously exhibited works crafted from wire, I was initially concerned about how this series would be received; however, at my solo exhibition, visitors truly enjoyed viewing the pieces.
I hope you look forward to the future evolution of this series.
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